„Ich habe uns nie als Post-Punk-Band gesehen“, betont Ben Hozie, Sänger und Gitarrist der in New York ansässigen Band BODEGA. „Ich habe uns einfach als konzeptionelle Rockband gesehen.“ Das mag für diejenigen überraschend sein, die die Band in den letzten Jahren verfolgt haben. Die bisherigen Alben von BODEGA – „Endless Scroll“ aus dem Jahr 2018, „Broken Equipment“ aus dem Jahr 2022 und „Our Brand Could Be Your Life“ aus dem Jahr 2024 – wurden zu Recht mit Post-Punk-Ikonen wie den Talking Heads, den B-52s, Devo und Sonic Youth verglichen. „Post-Punk ist konzeptioneller Punk, das passte also schon früh zu unserem Stil“, sagt Hozie, „aber letztendlich geht es um unser Songwriting.“ Ehrlich gesagt passt das Etikett ‚Post-Punk‘ schon seit einiger Zeit nicht mehr so recht. „Our Brand Could Be Your Life“, eine Neuaufnahme eines Albums aus dem Jahr 2015 einer früheren Inkarnation der Gruppe namens Bodega Bay, war eher von klassischen Indie-Rock-Bands wie Pavement und Guided By Voices inspiriert. Auf dem letztjährigen Album „Rot in Helvetica“ ihres Alter Egos NODEGA schlugen sie die entgegengesetzte Richtung ein und tauchten in den Sound des klassischen Hardcore-Punks wie Black Flag und 7 Seconds ein.

Auf ihrem neuen Album „All Inside Aquarium“ entfernt sich die Band BODEGA weiter denn je von ihren Post-Punk-Wurzeln. Das Ziel der Gruppe war: „Lasst uns wieder zu melodischen Songs zurückkehren, lasst uns mehr eine richtige Rockband sein“, erklärt Hozie. Klanglich strebte die Band „diesen Sound der späten 80er/frühen 90er Jahre an, eine Mischung aus Stone Roses und Jane’s Addiction, mit mehr Riffs und Gitarrensoli“. Insbesondere Letztere waren ein wichtiger Einfluss (Jane’s Addiction sind seit der Schulzeit Hozie’s Lieblingsband), und tatsächlich ist in den Stücken eine spürbare „Lollapalooza ’91 Main Stage“-Atmosphäre zu spüren. „Wir strebten etwas Größeres, Wärmeres, Wasseriges und Metaphysisches an, inspiriert vom optimistischen Alternative Rock unserer nur noch vage in Erinnerung gebliebenen Jugend“, merkt er an. Die üppige, grungige Produktion des Albums erinnert an die Arena-Klänge von „Siamese Dream“, „Definitely Maybe“, „One Hot Minute“ und sogar „Achtung Baby“ aus der „Alternative Nation“-Ära, während das Bekenntnis der Band zum Beatles-artigen Pop-Handwerk dafür sorgt, dass alles in eingängigen Popsong-Strukturen verwurzelt bleibt – mit Refrains zum Mitsingen und Middle-Eights in Hülle und Fülle.

„Die Art und Weise, wie wir Musik hören, ist so vielseitig, und genau so sind wir auch an dieses Album herangegangen“, sagt Sängerin und Percussionistin Nikki Belfiglio. „Man kann einen Hardcore-Song direkt neben einem Folk-Song haben, denn es stehen keine Punks an der Straßenecke, die darauf warten, einen zusammenzuschlagen.“ So enthält das Album unter anderem BODEGAs radikale Neuinterpretation von Bob Dylans „Slow Train“, dem Titelsong seines zu Unrecht verschmähten gleichnamigen Albums aus dem Jahr 1979, das so weit vom Post-Punk entfernt ist, wie man es sich nur vorstellen kann. Hozie nennt das glamouröse, an Navarro erinnernde Solo von Gitarrist Dan Ryan in diesem Titel als einen seiner Lieblingsmomente auf dem Album. Während die früheren LPs von BODEGA größtenteils Stück für Stück aufgenommen wurden, wobei die Bandmitglieder selten im selben Raum waren, ermöglichte ihnen der Vertrag bei Chrysalis Records (Pere Ubu, Jethro Tull) nun, als Einheit ausgiebig im Studio zu arbeiten. Die Gruppe verbrachte anderthalb Monate in Großbritannien und arbeitete dort mit dem Produzenten Matt Peel (Yard Act, Eagulls) im „The Nave“ zusammen, seinem Studio, das in einer entweihten Kirche in Leeds eingerichtet ist. Sie spielten live und schafften es so, die Energie ihrer Auftritte auf eine Weise einzufangen, die auf früheren Alben nicht ganz gelungen war. Das Album wurde anschließend in Brighton mit Theo Verney (English Teacher, Lime Garden) abgemischt. „Wir haben nun schon seit vier Jahren dieselbe Besetzung, das ist die längste Zeit, die wir je mit denselben fünf Leuten gespielt haben“, sagt Hozie. „[Adam] Shumski, der Schlagzeuger, und Dan Ryan, der Leadgitarrist, sind beide Jazzmusiker, sie haben also wahnsinnige Technik. Wir dachten uns: ‚Lasst uns ihr Spiel doch mal ein bisschen zur Schau stellen. Lasst uns Dan ein paar ‚Guitar-Hero‘-Momente gönnen.“ Während Bassist Adam See alles im Takt hielt, wollten die Singer-Songwriter Hozie und Belfiglio ihre Texte und ihren Gesang auf ein neues Niveau heben. Während das frühere Material der Band eine eher explizit gesellschaftspolitische Ausrichtung hatte, sind die Texte von Hozie und Belfiglio auf „All Inside Aquarium“ bewusst weniger belehrend und konzentrieren sich mehr auf die Poesie. Hozie meint dazu: „Wenn es einen Song gibt, der eine These vertritt, dann wäre es ‚Literary World‘. Es ist eine eher verspielte Melodie, aber eigentlich geht es darum, dass uns nicht politisches Bewusstsein fehlt – denn eines der erstaunlichsten Dinge seit 2016 ist, dass die ganze Welt ein politisches Bewusstsein entwickelt hat –, sondern literarisches oder poetisches Bewusstsein. Eine literarische Perspektive ist eine empathische Perspektive, denn als Romanautor muss man die Denkweise all seiner Figuren verstehen, selbst wenn es sich um die abscheulichsten Menschen handelt.“

„Pick Up the Check“, die erste Single des Albums, veranschaulicht diesen Ansatz. „Der Text stellt sich vor, dass man mit jemandem in einem Restaurant sitzt – entweder bei einem romantischen Date oder bei einem Geschäftstermin mit jemandem aus der Musikbranche“, sagt Hozie, „und man muss lernen, Nein zu sagen, für sich selbst einzustehen und die Rechnung zu übernehmen. Auch wenn du es dir nicht leisten kannst, setz es auf Kredit und verschwinde von dort!“ Dennoch betont Hozie: „Ich betrachte unser Songwriting immer als eine Art sokratischen Ansatz. Wir stellen Fragen.“ Belfiglio erklärt, dass es in ihrem Song „Weather Me“ „darum geht, in einem Informationskaleidoskop zu leben, das voller alltäglicher Ärgernisse und zugleich sehr realer Probleme ist. Wenn man nicht weiß, wem oder was man Priorität einräumen soll, kann dieses Kaleidoskop den Alltag zerbrechen.“ BODEGAs neu entdeckter Fokus auf Poesie führte zudem zu einigen der bisher persönlichsten Songs. „Mir wurde klar, dass ich auf früheren Alben meine Rock-Songs und meine Balladen als zwei getrennte Kategorien betrachtet habe. Ich erkannte, dass ich mich meist nur in Balladen mit persönlichen Themen auseinandergesetzt habe“, sagt Hozie. „Also dachte ich mir: ‚Warum sollte ich nicht auch in einem schnellen Rocksong etwas emotional Direktes und Persönliches schreiben können?‘“ In Hozies „Astro Night Ride“ „geht es um meine Mutter, die 2017 gestorben ist. Fünf Jahre später, als ich zum ersten Mal wirklich versuchte, das Geschehene zu verarbeiten, begann ich, all diese Träume zu haben, in denen sie auftauchte, und zwar immer in Vergnügungsparks. Wir fuhren gemeinsam Achterbahn – eine Kindheitserinnerung an eine der wenigen Zeiten, in denen die Familie komplett zusammen war, glücklich und rundum zufrieden. Ich wachte immer mit Tränen in den Augen und in so guter Stimmung auf.“ Der Aufbau des Songs war „bewusst fast wie beim Prog-Rock. Ich wollte, dass das Arrangement eine Achterbahnfahrt nachzeichnet“, mit Abschnitten, die schneller und langsamer werden, Spannung aufbauen und wieder abbauen. „Ich habe versucht, einen Song zu schaffen, der sowohl zutiefst persönlich ist, aber auch eine Art Hymne darstellt – und der aus der Sicht eines Kindes fast schon naiv wirkt.“ Ähnlich verhält es sich mit Belfiglios „Olivia“, das von ihrer Cousine handelt, die 2010 auf tragische Weise ums Leben kam: „Das ist der persönlichste Song, den ich je geschrieben habe.“ Olivia Belfiglio war gerade einmal siebzehn, als sie auf einem tückischen Wanderweg in den Catskills in Sandalen ausrutschte und 100 Fuß in den Tod stürzte.

„Ich stand an ihrem Grab und fing einfach an, das Lied zu singen, während ich über vieles nachdachte. Die gesamte Melodie und die ersten drei Strophen kamen mir auf Anhieb in den Sinn. Dieser Song ist für mich mit vielen magischen Gefühlen verbunden.“ „Schmerz kann, nachdem er nachlässt, einen einer glückseligen Perspektive näherbringen“, sagt Hozie, „in der man sich daran erinnert, dass alles miteinander verbunden ist, und paradoxerweise mehr zu sich selbst findet, obwohl man erkennt, dass man nur ein winziger Flocken im Aquarium der kosmischen Einheit ist.“ Er spricht hier speziell über die Bedeutung des hymnischen, vom Wasser inspirierten Titelsongs des Albums, aber es ist eine perfekte Zusammenfassung dessen, wo BODEGA gerade stehen – und etwas, das wir alle gut im Gedächtnis behalten sollten. „Niemand kann dir wirklich den Kopf verdrehen, außer du selbst, wenn du Verantwortung für deine Realität übernimmst“, sagt er. Abgesehen vom Sound ist eine solche Perspektive wahrhaft post-punkig. Denn so sieht es aus, wenn man über die gerechte Wut des jugendlichen Punks hinauswächst: eine Umarmung der Reife, ein Gefühl für persönliche und zwischenmenschliche Verantwortung, kreativer Ehrgeiz, ein offener Geist, ein offenes Herz und die Bereitschaft, sich neu zu erfinden. Darum geht es bei „All Inside Aquarium“